"Busco movimiento, pues en mis pinturas no hay ningún centro, sino diferentes tipos de centros. No se puede parar, la vista va de un lugar a otro."

Los colores hacen que todo funcione 
POR DANIELA RUSOWSKY

Al conocer la obra de la artista brasilera Beatriz Milhazes lo primero que llama la atención es la abrumadora composición de sus formas y colores. Pero detrás de esa fachada de desplante escénico nos encontramos con una mujer que se declara tranquilla, metódica y muy racional en el diseño y confección de su trabajo. Esta connotada pintora latinoamericana se ha consolidado en el mundo del arte de más alto nivel y en esta entrevista exclusiva con ArtPremium narró el devenir de su obra, habló de su reciente exposición en Nueva York en la galería de James Cohan y nos entregó algunos adelantos sobre sus polifacéticos proyectos.

Su biografía se aleja del estereotipo de artista rebelde. Miembro de una familia marcadamente intelectual y con una fuerte impronta católica, Beatriz Milhazes creció en un entorno donde su opción de vida fue apoyada y respetada. La mayoría de los artistas de su generación se especializaron en otra disciplina antes de decidir dedicarse al arte, y ella no fue la excepción. Tras estudiar tres años de comunicación social, su vocación dio un giro para entrar a la escuela de Artes Visuales de Río de Janeiro donde comenzó a desarrollar su talento. A los 23 años tuvo la oportunidad de viajar a Europa, donde visitó museos y pudo ver en directo importantes obras de la historia del arte. Este viaje tuvo un profundo impacto en ella y al parecer la motivó a desarrollar su carrera profesional sin importar las fronteras.

Su trabajo ha sido asociado con múltiples referentes visuales tales como el diseño gráfico y textil, patrones de arte árabe y oriental, y el modernismo europeo, los que se hacen presente a través de su obra, que ella considera una expresión inconsciente que refleja una inspiración que nace tanto del mundo del arte tradicional como de la vida cotidiana. Creo que mi arte está muy conectado con el modernismo, tanto europeo como brasilero. Pero también tengo una gran influencia del diseño en general y el folk art, el arte primitivo, el arte naive. También he sido muy influenciada por el arte decorativo, porque se conecta el significado de la pintura con objetos que son de mi interés. Tengo una atmósfera, una remembranza, una vitalidad que espero que se refleje en mi obra. Siempre quise ser pintora y no diseñadora, pero tengo algunos patrones que vienen de las herramientas del arte aplicado .

Si bien su arte cautiva al espectador como un caleidoscopio no es su intención alcanzar un resultado espiritual o convertir sus pinturas en una ventana hacia la meditación, lo que indirectamente se logra cuando aquellos que se sitúan frente a su trabajo se sumergen en su colorido imaginario y navegan por su propuesta abstracta y dinámica. Considera el círculo una figura geométrica interesante pues tiene la propiedad de llamar la atención visualmente y no tiene ni principio ni fin, dando la sensación de estar permanentemente girando. Busco movimiento, pues en mis pinturas no hay ningún centro, sino diferentes tipos de centros. No se puede parar, la vista va de un lugar a otro. Por eso el círculo es mi principal figura geométrica. No tengo referentes espirituales en mi trabajo, es más bien una organización orgánica .

Su técnica contrasta con el resultado exuberante y con una marcada fuerza vital. Aquellas imágenes que evocan caminatas por la selva, las fragancias de un mercado de frutas tropicales o incluso, el glamour de la moda y las pasarelas, son el resultado de un trabajo metódico, ordenado y a puertas cerradas. Concentrada en su estudio Beatriz organiza sus diseños con precisión geométrica. Trato de lograr una sana relación entre cosas que son muy distintas la una de la otra, pero lo que verdaderamente une a la pintura son los colores, porque los colores hacen que todo funcione . Con cuidado va imprimiendo los colores capa sobre capa, creando transparencias y perspectiva hasta completar una obra armónica y equilibrada, en la cual no se notan las pinceladas ni se genera textura sobre la tela. Esta técnica, basada en la impresión de un diseño estampado en plástico, le permite superponer colores con gran intensidad, en lo que ella describe como una gran pieza de madera compactada en una pequeña superficie. Basada en una estructura de trabajo racional donde cada detalle tiene una razón de ser, su meta es logar una buena pintura.

PARA LEER ESTE ARTICULO CONSIGA LA EDICIÓN #19 DE ARTPREMIUM. PÁGINAS 50-56